LE (NOUVEAU) PALAIS DE TOKYO.

Dan Perjovschi, « le Dessin du Palais », 2012. Ph. ©FDM

Dédié à l'art le plus contemporain, le Palais de Tokyo rouvre ses portes après une interruption et ce que l'on n'oserait appeler des « travaux », puisque l'opération principale a surtout consisté à dégager de nouveaux espaces et effacer tout ce qui pouvait constituer des limites, des frontières et des lieux clos.

Résultat : une mise à nu de l'ossature et de la structure du bâtiment qui - architecture des années 1930 oblige - sont magnifiques. Les espaces, les volumes, la lumière et les échappées sur l'extérieur sont en soi une expérience esthétique. Qu'on ne saurait bouder.

Ces échappées sur le dehors, la cour du monument, la Seine en arrière-plan et la passerelle qui mène au Musée du Quai Branly, ont de quoi ravir les contemplateurs et regardeurs qui visitent le lieu. Ces fameux « regardeurs » qu'évoquait Marcel Duchamp...

Cette dimension, d'une « action contemplative » du public, est soulignée par le travail du roumain Dan Perjovschi, « le Dessin du Palais », qui traite de manière ludique - et graphique - les hautes fenêtres du Palais. Vitres transparentes, et plus que transparentes, « ouvertes » sur l'extérieur et rehaussées de graffiti ironiques, poétiques et un brin décalés... Tout ce que j'aime.

Pour le reste, le lieu est difficile, les accrochages risqués : il n'est pas certain que la volonté « affichée » (s'agirait-il de combler un manque de moyens dévolus à la restauration des espaces ?) de conserver le béton brut, et quelques gravats apparents, soit une bonne solution. Il reste que cela peut constituer un challenge à relever pour artistes aventuriers.

L'OUVERTURE s'est faite en fanfare. Avec beaucoup, beaucoup de performances. Ce qui, là aussi, constitue un jeu risqué, la performance étant un protocole très rebattu. Mais l'on reviendra, dans un autre billet de ce blog, sur cette dernière question.

Savourons, pour le moment, la beauté du lieu, la lumière qui tombe en cascades des grandes verrières, et attendons l'ouverture prochaine (le 20 avril) de la Triennale annoncée : INTENSE PROXIMITÉ.

Palais de Tokyo

Palais de Tokyo, 2012. Ph. ©FDM

ARTAUD. AUTOPORTRAITS.

Couverture de Antonin Artaud,
Portraits et Gris-gris (1984 et 2008).

« Nulle déformation, nulle anamorphose n'atteint cependant les visages dessinés par Artaud, traités au contraire de façon hyperfigurative. Renforcement jusqu'à l'ossification et jusqu'au plus extrême dessèchement de la figurabilité et de la correspondance au modèle. Correspondance utopique, inventée, et qui n'en est que plus dense. Plus forte. Commentant un de ses portraits, exécuté par Jean de Bosschère, Artaud n'a-t-il pas cette formule saisissante : « Je m'y retrouve tel exactement que je me vois dans les miroirs du monde, et d'une ressemblance de maison ou de table, puisque toute la ressemblance est ailleurs. » (Antonin, Artaud, Œuvres complètes, I-180)

Dans cette destruction de la mimesis, la fonction de l'autoportrait n'est pas ici de l'ordre du redoublement spéculaire. La toile est un lieu vide, le visage un « champ » d'absence, de mort, non point imaginé ou « lu », mais profondément vécu. [...]

Il n'est qu'un trou dans la représentation. Il n'y a ni en-deçà ni au-delà du miroir. Nulle figure. Aucun regard où se conforter. Je serai éternellement à moi-même ma propre absence de représentation. Figure infigurable. Représentation déniée. [...]

S'attaquer à l'autoportrait, c'est donc s'attaquer à la figure même de Dieu - en une suprême démarche iconoclaste. Destruction des idoles. « Tuer un mort », disait Artaud. D'où ces dessins, ces totems d'être, ces bribes d'os, de clous, ces fémurs dépareillés, inlogeables. Corps désormais insituable. Anatomie en perte de structure. Abandon des repères anatomiques propres à l'espèce. Ouverture et excentration de la barbaque humaine. » (Extrait de Antonin Artaud, Portraits et Gris-gris, Blusson, 1984 et 2008)

Les dessins, portraits et autoportraits d'Artaud : références

Antonin Artaud, Portraits et Gris-gris, Blusson
C'était Antonin Artaud, Fayard
L'affaire Artaud, Fayard
Eis Antonin Artaud, Editora Perspectiva

Couverture de Eis Antonin Artaud (2011).

SOTHEBY'S: ARTAUD'S DRAWINGS AND RESTORATION WORKS.

On the left: Document A (before restoration)
On the right: Document B (current state)

Go on sale on April 5, five drawings of Antonin Artaud who belonged to Florence Loeb and his father, Pierre Loeb gallery, which organized, in 1947, the first exhibition of drawings by the poet. These five works of impeccable pedigree and to which it is hoped they will join the other works of some great French museum.

What I found here challenged and should, at least, provoke debate, it is the issue of restoration, so delicate, of these drawings. The restoration works of art, especially those works of modern art (which belongs Antonin Artaud), being more problematic for reasons that are both technical and ideological (it now takes more account of the history of the work and its "avatars").

Drawing causing all of my questions is the lot No. 49. Entitled "Untitled", it was previously presented under the title "Figures". - Dedicated " to the Poor Florence who also will revolt », it consists of five figures or effigies, including a self-portrait (bottom right).

At the time of preparation of my book on the drawings of the poet, Antonin Artaud, Portraits et Gris-gris (it was the first book published on the subject in 1984 : this book not listed in this catalog Sotheby's), I had access to photographs taken during the exhibition of drawings Artaud organized in 1980, at the Musée de l'Abbaye Sainte-Croix (Les Sables-d'Olonne). One of these pictures (Document A, detail of the drawing) clearly shows that this drawing was widely smeared and blood stains of blood anf filth. The perimeter of the figures also show leaves many details (and a wealth of material) which disappeared after restoration (document B, current state). This photograph (document A, corresponding to the initial state of the work) has been replicated in the new edition of this book, Antonin Artaud, Portraits et Gris-gris (Blusson, 2008, p. 10, No. 5 bis). Blood stains and the filth of the bloody field are clearly visible on the reproduction in black and white.

All of these have now largely disappeared from the drawing. Survive only a few halos and just a touch of red in the bottom of the drawing (document B). There has therefore been that the technicians and art historians often refer to as a "hollowing out". When was this restoration ?

In 1980, during exposure at Les Sables-d'Olonne, the drawing is in the condition it was in Artaud's death in 1948. The bloodstains are visible. - In 1986, in the book published by Paule Thévenin and Jacques Derrida (Portraits et Dessins), jointly from Schirmer Mosel and Gallimard, most traces of blood is gone and only lives a few halos, and sweepings streaks of blood are almost erased. The catalogs will resume next (without reporting no restoration) this new state of the work. - 1980-1986 : it was not until 2008 that this state of the design prior to its restoration, reappear in the new edition of my book, "Antonin Artaud, Portraits et Gris-gris. "

So, of course, opinions will differ between supporters restoration of a "successful" works, the "Hygienists" who want to design a clean and washed. What we might call a "bleach" works and is known as chloramine, often used for cleaning and paper processing function is to standardize and launder funds.

The question seems all the more "heavy" and more complex than it is a drawing of Antonin Artaud, poet of the "Theatre of Cruelty", author and certainly cursed "precursor" of the body art (that I reported in my book in 1984). Load "hardware" of the work is not in his case an empty word. Any part of the poet's work order process is of primitive magic and clearly claimed. Fetishes, charms, works loaded ... Would you clean an old nail fetish? - The debate is open.

Was it clear, clean these "stigmata", this material body where many will gain an essential aesthetic and metaphysical. - Near the poet Jacques Prevel described (6 August 1947) the private room of Artaud, corroborating in every way this state works : " The frames are placed around the room, standing against the walls. (...) We should blow this vision as it really exists, with spots of blood spattered all here, drawings, the bed, manuscripts stacked on the closet ... »

We know the story of the two successive "tubs" of Joseph Beuys, one of which works (full of fat) was patiently scoured by a zealous housekeeper and the other (put away, bristling with gauze and plasters) was used at a congress of the German SPD as "bucket" for cool drinks ... A vast outcry was followed each time.

What Artaud would have thought of these restorations ? The unanswered question is obviously, historians, aestheticians, collectors, technicians and art professionals are here referred to themselves and their strange rituals.

We understand that for my part, I hold for excessively large, the presence (now deleted) of the material body. A long association with the work, texts and manuscripts of Artaud convinced me of the role played by the body, moods and substances in the productions of one who is identified on a recurring basis in Christ cross.

This is a question of art history, aesthetics and "sense" of works ...

Antonin Artaud, Portraits et Gris-gris
(1984 ; 2008 et 2019 expanded editions)

SOTHEBY'S : DESSINS D'ARTAUD ET RESTAURATION DES ŒUVRES.

Sur la gauche : Document A (avant restauration)
Sur la droite : Document B (état actuel)

Passent en vente, le 5 avril prochain, 5 dessins d'Antonin Artaud qui ont appartenu à Florence Loeb et à son père, le galeriste Pierre Loeb qui organisa en 1947 la première exposition de dessins du poète. Il s'agit de cinq œuvres au pedigree impeccable et dont on espère qu'elles rejoindront les cimaises de quelque grand musée français.

Ce qui m'a ici interpellée et qui devrait, à tout le moins, provoquer un débat, c'est la question de la restauration, ô combien délicate, de ces dessins. La restauration des œuvres d'art, et tout particulièrement celles des œuvres de l'art moderne (auquel appartient Antonin Artaud), étant des plus problématiques pour des raisons tout à la fois techniques et idéologiques (on tient davantage compte désormais de l'histoire de l'œuvre et de ses « avatars »).

Le dessin qui provoque toutes mes interrogations est le lot n° 49. Intitulé « Sans titre », il fut antérieurement présenté sous le titre « Figures ». - Dédicacé « à Florence la Pauvre qui elle aussi se révoltera », il est constitué de cinq figures ou effigies, dont un autoportrait (en bas à droite »).

Au moment de la préparation de mon ouvrage sur les dessins du poète, Antonin Artaud, Portraits et Gris-gris, publié en 1984 et qui fut le tout premier livre publié sur la question (livre non répertorié dans le présent catalogue Sotheby's), j'avais eu accès à des documents photographiques pris lors de l'exposition des dessins d'Artaud organisée, en 1980, au Musée de l'Abbaye Sainte-Croix (Les Sables-d'Olonne). L'un de ces clichés (document A, détail du dessin) démontre à l'évidence que ce dessin était largement maculé et de taches de sang et de balayures de sang. Le pourtour des figures laisse aussi apparaître quantité de détails (et toute une richesse de matière) qui ont disparu après restauration (document B, état actuel). Ce cliché (document A, sans perte et correspondant à l'état initial de l'œuvre) a été reproduit dans la réédition de ce livre, Antonin Artaud, Portraits et Gris-gris (Blusson, 2008, p. 10, n° 5 bis). Les taches de sang et les balayures de la matière sanguinolente y sont bien visibles, y compris sur la reproduction en noir et blanc.

Tous ces éléments ont aujourd'hui quasiment disparu du dessin. Ne subsistent plus que quelques halos et, à peine, une touche de couleur rouge dans le bas du dessin (document B). Il y a donc bien eu ce que les techniciens et historiens de l'art désignent souvent comme « une perte de substance ». De quand date cette restauration ?

En 1980, lors de l'exposition des Sables-d'Olonne, le dessin est dans l'état qu'il avait à la mort d'Artaud en 1948. Les taches de sang sont bien visibles. - En 1986, dans l'ouvrage publié par Paule Thévenin et Jacques Derrida (Portraits et dessins), conjointement chez Schirmer et Mosel et Gallimard, l'essentiel des traces de sang on disparu ; il ne subsiste plus que quelques halos ; les balayures et striures de sang sont quasiment effacées. Les catalogues à venir reprendront (sans signaler aucune restauration) ce nouvel état de l'œuvre. - 1980-1986 : il faudra attendre 2008 pour que cet état du dessin, antérieur à sa restauration, reparaisse dans la nouvelle édition de mon ouvrage, « Portraits et gris-gris ».

Alors, bien sûr, les avis pourront diverger entre les partisans d'une restauration « efficace » des œuvres, les « hygiénistes » qui souhaitent un dessin propre et lavé. Ce que nous pourrions nommer une « javellisation » des œuvres et l'on sait que la chloramine, souvent utilisée pour le nettoyage et traitement des papiers a pour fonction de blanchir et uniformiser les fonds.

La question me paraît d'autant plus « lourde » et plus complexe qu'il s'agit d'un dessin d'Antonin Artaud, poète du « Théâtre de la cruauté », auteur maudit et assurément « précurseur » du body art (ce que je relevais dans mon ouvrage dès 1984). La charge « matérielle » de l'œuvre n'est pas, dans son cas un vain mot. Toute une part de l'œuvre du poète relève de processus d'ordre magique et primitif clairement revendiqués. Fétiches, gris-gris, œuvres chargées... Irait-on nettoyer un vieux fétiche à clous ? - Le débat est ouvert.

Fallait-il effacer, nettoyer ces « stigmates », cette matière corporelle où beaucoup verront une essentielle plus-value esthétique et métaphysique. - Proche du poète, Jacques Prevel décrit ainsi (le 6 août 1947) la chambre d'Artaud, corroborant en tous points cet état des œuvres : « Les cadres sont disposés tout autour de la chambre, debout contre les murs. (...) Il faudrait faire exploser cette vision comme elle existe réellement, avec les taches de sang qui maculent tout ici, les dessins, le lit, les manuscrits empilés sur l'armoire... »

On connaît l'histoire des deux « baignoires » successives de Joseph Beuys, œuvres dont l'une (emplie de graisse) fut patiemment récurée par une femme de ménage zélée et dont l'autre (remisée, bardée de gaze et de sparadraps) fut utilisée lors d'un congrès du SPD allemand comme « seau » permettant de faire refroidir les boissons... Un vaste tollé s'en était suivi à chaque fois.

Qu'est ce qu'Artaud aurait pensé de ces restaurations ? La question est évidemment sans réponse ; les historiens, esthéticiens, collectionneurs, techniciens et professionnels de l'art sont ici renvoyés à eux-mêmes et à leurs singuliers rituels.

On comprend que, pour ma part, je tienne pour excessivement importante, la présence (aujourd'hui effacée) de cette matière corporelle. Une longue fréquentation de l'œuvre, des textes et des manuscrits d'Artaud m'a convaincue du rôle déterminant joué par le corps, ses humeurs et ses substances, dans les productions de celui qui s'est identifié de manière récurrente au Christ en croix.

Ceci est une question d'histoire de l'art, d'esthétique et de « sens » des œuvres...

Antonin Artaud, Portraits et Gris-gris
(1984, et 2008 : édition augmentée)