samedi 26 mai 2012


Artaud, Self Portrait, December 17, 1946 (detail),
"The story of Pierre Loeb," 1979.

A Self-Portrait of Antonin Artaud, dated December 17, 1946, was sold by Sotheby's on April 5 for the wondrous sum of 2,136,750 euros. I will not dwell on the vagaries of the art market: I know too (for having directly experienced in the 1980s) how it was difficult to recognize the importance of drawings of the poet. Assuming that the state of the art market reflects something other than mere monetary value (fluctuating) of a work is now done ...

What matters to me here is the singular MATERIAL destiny of this drawing of Antonin Artaud. In a previous blog (see link below), I insisted on restorations undergone by other drawings in the same Sotheby's sale: Untitled or Figures.

This Self-Portrait in December 1946 (now classified as National Treasury by the State French) has ALSO been sold restored. Cleaned. "Bleached". An important spot, located at the corners of the mouth of Momo, followed by a long vertical sagging and several large spots, located at the base of the neck, were carefully washed. The drawing is now "nickel." Clean and white. The cleanliness of the current drawing and printing "clinic" that results seemed to me curious in 2006 (when I visited the exhibition "Artaud" at the Bibliothèque Nationale de France). This state does not match my memories of previous work.

This self-portrait of 1946 was exposed in 1979 by the Musée d'Art Moderne in Paris, during the exhibition devoted to "The adventure of Pierre Loeb :"this is where I saw it. Reproduction of the drawing is in the catalog of this exhibition (Fig. 12, p. 57). These spots are clearly visible (cf. fragment reproduced here). The signature itself is tainted with some traces.

A year later, in 1980, in the catalog of the Abbaye Sainte-Croix (Antonin Artaud, No. 37), this self-portrait is reproduced even "clean", without we knows if this is the design itself has been cleaned or if this operation took place at the production of the catalog (for "cleaning" of the photographic medium used for printing).

The presence of these spots of origin is still attested and corroborated by a photograph of Denise Colomb (sister of Pierre Loeb) showing a drawing hung in the vicinity of works of primitive art in Pierre Loeb apartment. This photograph (which shows what could fairly be the "material" of this self portrait is included in the exhibition catalog of 1979 ("The Adventure of Pierre Loeb," p. 45: "a wall at Pierre").

This same photograph is reproduced on p. 62 catalog of the Sotheby's sale (Florence Loeb Collection, Sources and Affinities, Paris, April 5, 2012). No one has probably paid attention to the "spots", always present, however, on this same block. The same design appears a few pages away, washed and clean : as featured in the exhibition of the sale of 5 April 2012 (Sotheby's, No. 48 p. 59).

Two documents undeniable, from two those oh so close to the poet (remember that this is Pierre Loeb, who exhibited for the first time in July 1947 Artaud's drawings in his gallery and we are indebted to Denise Colomb an extensive series of photographs of the poet), attest So the presence of these spots "original" Self-Portrait on the issue, drawing that was featured in the exhibition of 1947. The current time Sotheby's catalog photography by Denise Colomb of the same year 1947.

Everything I've mentioned in the previous paper (see attached link) Dimension "hygienic" treatment of the production of authors can be cursed and be resumed. Hardware load design, the support function (material) of the paper are here erased. Remains only the "design", the blueprint of the Self-Portrait of Momo. What we have now is an "art without matter."

In addition to the "magic" and material (fetish charms) that these spots to confer self-portrait of Artaud, the sag and these spots were in the drawing and the whole composition, function "pendulum". These elements constitute a "weight" and balances. - Can we then imagine that these spots were not intentional, willed by Artaud ? They were not to keep ?

What is the nature of these traces from now permanently (and irreversibly) missing the picture ? Is it blood ? Or corporeal matter ? This would suggest is that the testimony cited by Jacques Prevel (see attached link). As well as Momo's comments: "All painters show their anatomy, their physiology, their saliva, their flesh, blood, sperm, their vices, their slime, their pathology, their prudishness, their health, their character, personality or their madness on their canvases. " (Antonin Artaud, on Balthus)

Author of a Material and « immaterial » History of modern art (Bordas, 1994, Larousse 2008), I remain highly sensitive to the issue of this hardware support original drawings of Artaud and am more circumspect against the "cleansing" of his drawings.

No doubt it is necessary to treat papers, double and "rub" very fragile media. But was it up to relieve them of their original material ? All this we would have said Duchamp, has nothing to do with the creation and art. It is indeed entered the world of the art market and Gris-gris sanitized.

Another question arises : how much would have been charged the same design with these spots ? Would it be mounted higher? Its price would have dropped it ?

The question is not small. It primarily concerns the history and sociology of art: what kind perhaps the ratio of companies and collectors in relation to a work (known as "art") ? Should we clean and wash a work ? To conform to a "taste" itself fluctuating, some preferring perhaps a clean and clinical work, whilst others favor a work preserved in its "juice" and presented as close its original state (I belong to this second category).

The debate is open ... The frequency of visits to my previous paper (on this blog) and reactions (private) some have shown me how the issue was sensitive ...

This additional information: In 1996, the same self-portrait is reproduced on page 95 of the book by Camille Dumoulié (Antonin Artaud, Editions du Seuil). The drawing is reproduced WITH his spots - clearly visible. The Photo credits (page 166) for this shot give the following information: "Florence Loeb, A. Artaud © ADAGP, Paris, 1996, p. 95." New evidence of that the design has been a "cleansing" of his spots.

Artaud Sotheby's sale

* On this dimension « matiériste » and "excremental" drawings of Momo, cf. "autophagy creative" in Florence de Mèredieu, Antonin Artaud, portraits et Gris- gris (Blusson, 1984-2008).

lundi 14 mai 2012


Artaud, Autoportrait, 17 déc. 1946 (détail).
« L'aventure de Pierre Loeb », 1979.

Un Autoportrait d'Antonin Artaud, daté du 17 décembre 1946, a été vendu par Sotheby's le 5 avril dernier pour la mirifique somme de 2 136 750 euros. Je ne m'attarderai pas sur les aléas du marché de l'art : je sais trop (pour l'avoir directement vécu dans les années 1980) combien il fut difficile de faire reconnaître l'importance des dessins du poète. En admettant que l'état du marché de l'art reflète autre chose que la pure et simple valeur monétaire (fluctuante) d'une œuvre, c'est désormais chose faite... Ce qui m'importe ici, c'est le singulier destin MATÉRIEL de ce dessin d'Antonin Artaud. Dans un blog précédent (voir lien ci-dessous), j'avais insisté sur les restaurations subies par un autre des dessins de la même vente Sotheby's : Sans titre ou Figures.

Cet Autoportrait de décembre 1946 (désormais classé Trésor national par l'État français) a, LUI AUSSI, été vendu restauré. Détaché. « Javellisé ». Une tache importante, située au niveau des commissures des lèvres du Mômo, suivie d'une longue coulure verticale et de plusieurs grosses taches, situées à la base du cou, ont été soigneusement lavées. Le dessin est désormais « nickel ». Propre et blanchi. L'actuelle propreté de ce dessin et l'impression « clinique » qui en résulte m'avaient semblée curieuses en 2006 (lors de ma visite de l'exposition « Artaud » à la Bibliothèque Nationale de France). Cet état ne correspondait pas à mes souvenirs antérieurs de l'œuvre.

Cet Autoportrait de 1946 a été exposé en 1979 par le Musée d'Art moderne de la Ville de Paris, lors de l'exposition consacrée à « l'aventure de Pierre Loeb » : c'est là que je le vis. La reproduction du dessin figure dans le catalogue de cette exposition (Fig. 12, p. 57). Ces taches y sont bien visibles (cf. fragment ici reproduit). La signature elle-même est entachée de quelques traces.

Un an plus tard, en 1980, dans le catalogue de l'Abbaye Sainte-Croix (Antonin Artaud, n° 37), ce même Autoportrait est reproduit « nettoyé », sans que l'on sache si c'est le dessin lui-même qui a subi un nettoyage ou si cette opération est intervenue au niveau de la fabrication du catalogue (par « nettoyage » du support photographique utilisé pour l'impression). La présence de ces taches d'origine est encore attestée et corroborée par une photographie de Denise Colomb (sœur de Pierre Loeb) montrant le dessin accroché dans le voisinage d'objets d'art primitif chez Pierre Loeb. Cette photographie (qui démontre assez ce que pouvait être la charge « matérielle » de cet « autoportrait au Gris-gris » d'Artaud) figure dans le catalogue de l'exposition de 1979 (« L'aventure de Pierre Loeb », p. 45 : « un mur chez Pierre »).

Cette même photographie est reproduite en p. 62 du catalogue de la vente Sotheby's (Collection Florence Loeb, Sources et Affinités, Paris, 5 avril 2012). Nul n'a sans doute prêté attention aux « taches », toujours bien présentes cependant, sur ce même cliché. Le même dessin figure, à quelques pages de distance, lavé et bien propre : tel qu'il figurait dans l'exposition de la vente du 5 avril 2012 (Sotheby's, N° 48 p. 59).

Deux documents incontestables, émanant de deux personnes ô combien proches du poète (rappelons que c'est Pierre Loeb qui expose pour la première fois en juillet 1947 les dessins d'Artaud dans sa galerie et que l'on doit à Denise Colomb une importante série de photographies du poète), attestent donc de la présence de ces taches « originelles » sur l'Autoportrait en question, dessin qui figura dans cette exposition de 1947. L'actuel catalogue Sotheby's date la photographie de Denise Colomb de cette même année 1947.

Tout ce que j'ai évoqué dans le précédent papier (cf. lien joint) sur la dimension « hygiéniste » du traitement de la production des auteurs maudits peut ici être repris. La charge matérielle du dessin, la fonction de support (de matière) du papier sont ici effacées. Ne subsiste plus que le « dessin », l'épure de l'Autoportrait du Mômo. Ce que l'on a désormais, c'est un « art sans matière ».

Outre la fonction « magique » et matérielle (de fétiche et de gris-gris) que ces taches conféraient à l'Autoportrait d'Artaud, cette coulure et ces taches ont, dans le dessin et l'ensemble de la composition, une fonction « pendulaire ». Ces éléments constituent un « poids » et contrepoids. - Peut-on alors imaginer que ces taches n'aient pas été intentionnelles, voulues par Artaud ? Qu'elles n'aient pas été à conserver ?

De quelle nature sont ces traces originaires, aujourd'hui définitivement (et de manière irréversible) disparues du dessin ? S'agit-il de sang ? Ou de matière corporelle ? C'est ce que laisserait entendre le témoignage cité de Jacques Prevel (cf. lien joint). Comme aussi bien des commentaires du Mômo : « Tous les peintres portent leur anatomie, leur physiologie, leur salive, leur chair, leur sang, leur sperme, leurs vices, leur sanie, leur pathologie, leur pudibonderie, leur santé, leur caractère, leur personnalité ou leur folie sur leurs toiles. » (Antonin Artaud, sur Balthus)

Auteur d'une Histoire matérielle et immatérielle de l'art moderne (Bordas, 1994, Larousse 2008), je demeure éminemment sensible à la question de cette charge matérielle originelle des dessins d'Artaud et suis des plus circonspecte face au « nettoyage » de ses dessins. Sans doute fallait-il « traiter » les papiers, doubler et « maroufler » des supports bien fragiles. Mais fallait-il aller jusqu'à les décharger de leur matière originelle ? Tout cela, nous aurait dit Duchamp, n'a plus rien à voir avec la création et avec l'art. On est bel et bien entré dans le monde du marché de l'art et des Gris-gris aseptisés.

Une autre question surgit : quelle somme aurait atteint le même dessin chargé de ces taches dont il a été pour ainsi dire délivré ? Serait-il monté plus haut ? Son prix aurait-il chuté ?

La question n'est pas mince. Elle concerne au premier chef l'histoire et la sociologie de l'art : de quelle nature peut-être le rapport des sociétés et des collectionneurs par rapport à une œuvre (dite « d'art ») ? Doit-on nettoyer et laver une œuvre ? Pour la rendre conforme à un « goût » lui-même fluctuant, les uns préférant sans doute une œuvre propre et clinique, les autres privilégiant (je fais partie de cette deuxième catégorie) une œuvre conservée dans son « jus " et présentée au plus près de son état originel.

Le débat est ouvert... La fréquence des consultations de mon précédent papier (sur ce blog) et les réactions (privées) de quelques-uns m'ont montré combien la question était sensible...

Artaud et la vente Sotheby's

* Sur cette dimension matiériste et « excrémentielle » des dessins du Mômo, cf. « l'autophagie créatrice », in Antonin Artaud, portraits et Gris-gris (Blusson, 1984-2008).

samedi 12 mai 2012


« Le corps est à lui-même son propre jumeau. Tout - ou presque - y fonctionne par paire ou par couple. Deux yeux, deux oreilles, deux mains, deux couples de membres similaires, inférieurs et supérieurs, deux fesses, deux seins, le tout distribué à égale distance d'un axe vertical qui traverse le corps, divisant en deux moitiés notre épaisseur charnelle. Ces deux moitiés sont semblablement réparties de part et d'autre de l'axe vertébral, comme les figures d'un jeu de cartes qui ne comporteraient qu'une moitié de corps repliée sur elle-même. Figure non déployable à l'infini comme un jeu de papiers pliés, mais se résorbant dans le deux où elle trouve sa perfection.

L'architecture corporelle repose donc sur le double, la duité. Et cependant, il est un seul sexe, un seul organisme et un seul nombril. Ce dernier organe pouvant être pris comme le centre autour duquel tout le reste rayonne, unité et duité assemblées. Quant au cœur, il comporte encore deux moitiés, opposées certes mais complémentaires. Et le sexe se complète de celui qu'il n'est pas, nous apprenant ainsi que le corps entier n'est lui-même que moitié d'un autre et somme d'une différence.

Une moitié d'homme ferait-elle encore un vivant, une fois ajoutés ces organes essentiels que sont le cœur, le foie, le sexe et quelques autres cellules monoplaces ? Comment se représenter un corps en demi-lune ? Amputée d'une partie d'elle-même, l'autre moitié pourra-t-elle subsister ? Elle se racornira sur sa tranche. Témoin que le deux est peut-être plus que l'un, qui, cependant, se double de lui-même, sur ses faces internes et externes. L'androgyne possède bien aussi deux moitiés similairement inverties, doubles « sauvages » où chacun peut se reconnaître semblablement différent.

Sous la peau, invisibles mais pareillement répartis, les organes se correspondent encore : cubitus, radius, os du bassin et métacarpe, idoinement disposés. À tel point qu'il suffit aux planches anatomiques de présenter une seule moitié du corps pour que l'on puisse reconstituer le tout en rabattant idéalement cette moitié sur elle-même. Ce que la mémoire après tout peut bien opérer avec un risque d'erreur qui augmente certes avec le temps, mais que la science s'emploie aujourd'hui à résorber.

On pourrait l'imaginer bien sûr ce corps unijambiste et doté d'un seul œil, d'une oreille unique mais recourbée comme toutes ses congénères. Pour le propulser il faudrait alors combiner toutes sortes d'hélices et de ressorts, réinventer proprement un organisme. Tant il est vrai que la marche - pour prendre ce banal exemple - repose sur le deux, la jonction et la connivence des deux membres assurant seules le déplacement de ces bipèdes que nous sommes. On pourrait concevoir encore les deux moitiés séparées l'une de l'autre et se tenant par la main. Il suffirait pour cela de fermer chaque moitié sur sa tranche interne, là où le ciseau du chirurgien aurait opéré une entaille sans bavures.

Le corps est donc fait pour être symétrique, pareillement distribué (ou si peu s'en faut) sur sa droite et sur sa gauche. Si un des membres vient à manquer, on rétablit de suite l'équilibre rompu par l'adjonction d'une prothèse, organe mécanique qui redonne son assise au corps premier. Car un corps monoplace et monobulle est proprement monstrueux. Imaginez donc une femme dotée d'un œil unique ou appareillée d'un seul sein.

Inversant le précédent système, on peut se représenter ces deux moitiés castrées sur leur partie inférieure, comme toutes les cartes à jouer qui redoublent le deux, présentant deux figures se faisant face, égalant donc quatre moitiés, mais privées de jambes, de sexe et qui font « figure » simplement. Images représentables de ce seul corps qu'on peut nommer ou métonymie de l'infigurable ?

On pourrait encore dédoubler le corps entier sur son épaisseur. Une fois déplié, il présenterait deux faces, l'une externe et l'autre d'écorché, exhibant ces entrailles ordinairement si bien scellées dans la moiteur du corps intact.

Le corps est donc bien double. Des deux moitiés, quelle est cependant l'originale ? Laquelle fait-elle pour l'autre figure de modèle ? La droite, la gauche, la moitié antérieure ou postérieure qui se qualifient, elles, par leur dissemblance ? Il semble en tout cas que les deux moitiés soient apparues en même temps, chacune accompagnant son autre au cours d'une croissance qui fut longue et difficile.

Mais quoique double et partiellement différencié, le corps n'a que peu de droit de regard sur lui-même. Les mains peuvent certes se joindre, se palper, s'ausculter du bout de leurs doigts multiples, les jambes se croiser, se plier, déplier. Mais les yeux ne peuvent se voir, les oreilles sont dissimulées l'une à l'autre de part et d'autre de la boîte crânienne.

Il faudrait cependant apprendre à chaque moitié à connaître sa jumelle. On peut en ce sens rêver d'un corps distribué de part et d'autre d'un corps distribué de chaque côté de l'axe de la colonne vertébrale, en tous points comme le nôtre, mais dont chaque moitié serait déboîtée vers l'intérieur, formant ainsi avec cet axe vertébral un angle de 45 degrés. Les yeux pourraient alors se voir, plongeant l'un dans l'autre à la manière de deux miroirs se faisant face.

Pour le reste, chaque moitié commande bien à sa semblable - ou est-ce au tout ? Les deux bras se lèvent avec un bel ensemble ; les deux yeux pour se fermer obéissent au même instant. Là encore l'asymétrie apparaît comme contre nature, nécessitant plus d'effort que les mouvements ordonnés d'un double corps similaire.

Que dirait-on si des deux moitiés l'une un jour se mettait à ne point ressembler à l'autre, rétrécissant, diminuant. La deuxième, peut-être, agissant en cela a contrario, s'efforcerait-elle de grandir. Et cependant, entre les deux moitiés, la naine et la géante, on reconnaîtrait des proportions et un aspect commun : cet air de famille que chaque moitié entretient à son insu avec son autre. Imaginons-les sans épaisseur et pliables à volonté. Les deux moitiés se recouvrent-elles l'une l'autre, chacune coïncidant très exactement et en tous points à sa semblable ?

C'est là qu'on aperçoit au sein du même de subtiles différences et si les deux moitiés se ressemblent infiniment plus qu'elles ne ressemblent à la moitié d'un quelconque corps voisin, elles ne se juxtaposent point en tout. Il est parfois un œil plus grand, une jambe plus courte. Sans compter les accidents qui viennent modifier l'apparence première : taches, cicatrices, légères amputations. Car chaque moitié a son histoire qui lui est propre et ne s'apparente nullement à celle de sa voisine. Ce bras droit qui fut autrefois cassé fait pendant au bras gauche qui n'a, sur ce point, nulle expérience.

Tant et si bien qu'il se trouve peut-être de par le monde une autre moité qui vous ressemble infiniment plus que cette moitié dont vous êtes doté. Ce qui ouvre la voie à toutes sortes de fantaisies et de rencontres possibles : un chirurgien habile pourrait, en rassemblant ces deux moitiés, produire le chef-d'œuvre absolu en matière de corps. Un corps dont les deux parties s'assembleraient et s'uniraient en tous points, la moitié gauche apparaissant comme l'exact reflet dans un miroir de la droite.

À moins, bien sûr, que vous ne préfériez cultiver la différence absolue - ou relative - et adjoindre à l'une de vos moitiés une autre qui lui serait morphologiquement parfaitement antinomique. On se prend à rêver devant toutes les possibilités qui seraient alors offertes à la chirurgie esthétique. On pourrait greffer l'une sur l'autre une peau blanche et une peau noire, avoir un œil vert et l'autre bleu, arborer de splendides coiffures asymétriques.

Pour ma part, je choisirai deux mains, l'une blanche et l'autre noire. J'aurai un sein de femme et l'autre d'androgyne, un soleil pour œil et l'autre en demi-lune. Renouant ainsi avec la plus pure tradition ésotérique, je pourrai commander une tiare pour surmonter le tout.

Il reste encore à la science quelques progrès à accomplir avant de pouvoir greffer le mort sur le vivant. Le corps alors, comme dans certaines figurines de l'ancien Mexique, comportera deux moitiés, l'une vivante, l'autre réduite à l'état de squelette. On pourra peut-être dès lors se survivre, anticiper sa mort ou greffer à soi quelque moitié d'un corps aimé.

En attendant vos deux moitiés sont bien vivantes, soudées l'une à l'autre quelques éternités encore. Il convient de soigner leur similitude, les laissant évoluer de façon parallèle, les habillant pareillement de vêtements symétriques et bien coupés.

Projetant votre image sur le monde, vous y cherchez partout la symétrie comme un vertige. Ce corps de bâtiment sera flanqué de deux ailes, égales de taille et elles aussi dotées d'une paire de lucarnes similaires. Symétrique et bien balancé, votre corps aura la belle ordonnance d'un jardin à la française, embaumé vivant dans la moiteur du tissu cellulaire.

Les poupées aussi ont deux bras, deux jambes et un seul corps. Il n'est que les mannequins pour se désarticuler et finir parfois avec un œil unique sur le front. Par où s'amorcerait peut-être une fuite hors de ce deux parallèles où nous fûmes un jour circonscrits. Dotés d'un corps unique et transversal, les archéologues des temps futurs ne sauront plus comment souder ces deux moitiés qui furent - des siècles durant - si bien appareillées. »

©Florence de Mèredieu

Texte publié in « Le Deux », Revue d'esthétique, 1980, n° 1-2