FESTIVAL INTERNATIONAL DU JEUNE CINÉMA, Hyères, 1982.

Patrice Enard, Pourvoir, film 16 mm,
sonore, couleurs et noir et blanc, 1981.

En hommage aux 50 ans du CJC, je reproduis ici le texte critique que j’avais fait paraître en décembre 1982 (n° 359), dans La Nouvelle Revue Française.

« Le temps semble aujourd’hui révolu de ce que l’on pourrait appeler « la grosse cavalerie » du cinéma expérimental, temps où il suffisait souvent d’avoir une idée (même faible) et de l’exploiter à peu près, pour s’adjoindre au fier peloton des cinéastes avant-gardistes.

Voici venir des recherches plus subtiles, plus personnelles aussi et qui, sans sacrifier en rien à la rigueur (bien au contraire), se rapprocherait presque de cet épouvantail naguère tant conspué : une vision du monde. C’est cela que l’on trouve assurément dans l’extraordinaire film de Bokanowski, L’Ange, film indescriptible tant il est à voir, avec ses perspectives renversées et qui basculent, ses visions dignes du cinéma expressionniste, avec ses escaliers qui tournent, ses personnages qui se battent contre des chiffons échevelés ou se perdent dans des bibliothèques absurdes. Univers proche de Kafka et de Borges où un sens aigu de la dérision s’allie à une science certaine de l’image.

Onirique également - quoique sur un tout autre registre - le film de Patrice Enard, Pourvoir, œuvre sans commencement ni fin et que l’on pourrait concevoir comme un rêve replié en boucle sur lui-même, ponctué par des apparitions régulières mais sans cesse différentes. Dans le vert et l’immobilité du paysage défilent comme des événements, des objets, des cadres et des personnages, tous uniformément blancs et immobiles. Ensommeillés. Toiles blanches, cadres blancs évidés sont posés là dans la verdure comme des sculptures, aussi fixes que les personnages qui posent. Ce film, qui emprunte beaucoup et au land art et à la photographie, se perçoit - paradoxalement - comme un film fixe au sein d’une photo qui serait, elle, en mouvement.

Retour donc de tout ce que l’on rejetait et conspuait il y a peu encore : esthétisme, onirisme, surréalisme latent ou affirmé, narrativité, même et surtout lorsque celle-ci s’avère pervertie ou truquée. Equipe de nuit de l’Anglaise Robina Rose joue ainsi sur la dimension fantastique d’un hall d’hôtel déserté ; le moindre événement, la plus banale apparition y acquièrent une dimension ludique et singulière. Lun Hui le jardin des anges, d’Alain Bazars, s’attache à tisser un réseau serré de surimpressions, conférant à l’image un caractère proprement lyrique et souvent aux confins du symbolisme.

On est très loin des recherches strictement techniques et formelles longtemps entretenues par les Américains. Même si ce cinéma se perpétue avec encore des œuvres de qualité comme le film de l’Australien Paul Winkler, Espaces urbains : Réseaux, trames. Emboîtements et incrustations des images et des espaces les uns dans les autres. Rubans urbains enchevêtrés et mêlés, créant des rythmes et des plages diversement colorés, le tout porté par une musique strictement répétitive.

Mais le 18e Festival du Jeune Cinéma aura surtout été dominé par la figure - et la présence - de Joris Ivens, dont l’œuvre s’étend sur la presque totalité du siècle [le XXe). Œuvre remarquable pour ses propriétés formelles autant que pour ses qualités humaines. Rarement pareille compréhension du mouvement, des rythmes et des formes, aura accompagné un tel sens du pris sur le vif, du reportage en direct. La Pluie (1929) se donne comme un pur poème cinématographique, poème de la quotidienneté : les hommes, les objets et les événements y sont, non pas transfigurés, mais passionnément regardés, scrutés. C’est la seule qualité du regard qui, ici, épure et transmue. Terre d’Espagne (1937)et Le Dix-septième Parallèle (1967), tournés sur le front et sous les obus pendant les guerres d’Espagne et du Vietnam, fournissent un irremplaçable témoignage sur ce que peut être une guerre vécue - non du côté des médias ou du spectateur - mais dans la quotidienneté et au jour le jour. Quotidienneté qui, au sein de l’horreur, ne saurait exclure la beauté et la vie, qui les fait jouer - simplement - comme un mécanisme de respiration, une bulle d’air à la surface. Une grande leçon de cinéma. »

(Florence de Mèredieu, La Nouvelle Revue Française, n° 359, 1er décembre 1982, pp. 122-124)

À voir : Patrice Enard, Pourvoir, 1981

À voir : Joris Ivens, La Pluie, 1929

Joris Ivens, La pluie, 1929, noir et blanc, 35 mm.

Ando | Pinault. « BOURSE DU COMMERCE » Paris. Viewpoints.

" Bourse du Commerce | Foundation Pinault" .
Photo ©FDM, 2021.

BOURSE DU COMMERCE | Pinault Foundation
" OPENING "
Inaugural exhibition, until December 31, 2021.


"Realize your feelings" (Paul Cézanne)
In Arte's documentary behind the scenes of the transformation of "La Bourse du Commerce" into a 21st century museum, Tadao Ando points out that each visitor's step takes him to another universe, perspectives and points of view changing with each trip.

This is certainly true of all architecture - and could also be said of all sculpture. However, this principle is pushed here a hundredfold ... or ad infinitum, the concrete shell arranged in a helical structure in the center of the building constituting a system of successive hollowed out trays which are highlighted and connected to each other by a few staircases located around its perimeter.

This concrete shell being itself surrounded by another preliminary device [the initial building], also circular and multiplying the “points of view”, windows and places from where “to see and be seen” (in particular in height, under the large 19th century fresco of 1400 m2 painted under the glass roof), the multiplicity of points of view becomes dizzying.

And this is the first impression that seizes the visitor when he begins to wander in the space and look. Each trip gives rise to a new insight, a different vision.

Hence the feeling of constantly losing the benchmarks that we had just acquired. The architectural point of view (as Tadao Ando has so often explained) is that of a "living" one. Subject as such to incessant metamorphosis.

It is - first and foremost - the vision that becomes absolutely polymorphic, plural. And molt. And Change. And renews itself.

This process is all the stranger than the original building, this wheat hall transformed during its history into a "stock exchange", being circular and pierced by a set of regular windows, open on the inside, the space, thus delimited, seemed to be able to satisfy a form of total mastery of vision.

This panoptic vision (which was the privileged model of the prison system imagined at the very end of the 18th century by Jérémy Bentham) is thus totally, incessantly and at every step, thwarted and disturbed. Introducing this evolving concrete cylinder into the heart of the Hall is a game-changer.

Instant visual mastery of all or all has become impossible. And it is this skin and concrete membrane that, rising into the sky of the building, achieves this splendid impossibility. Architectural perception becomes the sum of a host of encounters and disturbed "points of view".

The success of the project lies in this radical subversion. Memory alone can then synthesize the whole, by threading points of view that constantly replace and outsmart one another.

Throughout everyone's journey - of walk and pilgrimage - the works of the artists are distributed as so many views within other "views" and new perspectives.

And when you exit the exhibition rooms, distributed around the concentric rings of the floors, to find yourself in the center of the building, new "points of view" are immediately created. It is then through the windows that surround the passageway - in the play of reflections and superimpositions - that the works in turn become changing and almost alive. - Transformed by the power of the equipment designed by Tadao Ando.

It is indeed an optical machinery that it is. Of a structure designed to modify the vision and make the perceptual adventure particularly exciting. This is reminiscent of - while being very different and otherwise complex - Brunelleschi's "tavoletta" (1415), this ingenious optical system which enabled the Florentine to multiply and interlock the baptistery of Florence, reflections and clouds.

This new Museum clearly appears (in itself) as a "masterpiece" and an extraordinary "operator of perceptions". It ruins any idea of a frozen museum space, total and concentration camp. Jérémy Bentham's system is found here broken, destroyed, transformed into its opposite. The concrete propeller of the structure constitutes the backbone of a free and evolving vision and perception.

The eye pinpoints each of the worlds it passes through, but a moment later the visitor's step has taken him to another perceptual side. The light plays there differently, the shadows change. The visitor here is like Cézanne who, using the cone and the cylinder, can see differently - and as many times as possible - different versions (different "states of being") of the Sainte Victoire.

Among all the works presented from the Pinault collection, we will take as the only example, but - by its "central" position - it is significant, the sculpture of Urs Fischer (Untitled Giambologna, 2011). This wax sculpture which is consumed and melts little by little - very slowly - is here viewed from all points of view: from above (we could add the vision of a drone or that of an aircraft crossing the dome ), from below, from the side and sideways, from near, far and in a fragmentary way to each of his appearances at the turn of a staircase, through a window, etc.

Destroying itself, like the vision which accompanies it, it melts and dissolves, reborn of itself in multiple fragments scattered in the central space. - The concrete, the dome, the light, the shadows serve it in turn as background and support. - She is at the center of all attentions and intentions, but melts and slips away. Rotates and dissolves.

Website of La Bourse du Commerce | Pinault Foundation

Documentary on ARTE TV

Paper on Chroniques d'Architecture

"Bourse du Commerce | Foundation Pinault."
Photo ©FDM, 2021.

Points de vue - BOURSE DU COMMERCE.

Point de vue sur la Coupole.
Bourse du Commerce | Fondation Pinault.
Photo ©FDM, 2021.

Bourse du commerce | Fondation PINAULT
« OUVERTURE »
Exposition inaugurale, jusqu’au 31 décembre 2021.


« Réaliser ses sensations » (Paul Cézanne)
Dans le documentaire consacré par Arte aux coulisses de la transformation de La Bourse du Commerce en Musée du XXIe siècle, Tadao Ando précise que chaque pas du visiteur l’entraîne dans un autre univers, les perspectives et points de vue changeant à chaque déplacement.

Ceci est certes vrai de toute architecture - et pourrait se dire aussi de toute sculpture. Ce principe est toutefois poussé ici au centuple… ou à l’infini, la coque de béton disposée en structure hélicoïdale au centre du bâtiment constituant un système de plateaux évidés successifs que soulignent et raccordent les uns aux autres quelques escaliers situés sur son pourtour.

Cette coque de béton étant elle-même entourée d’un autre dispositif préalable [le bâtiment initial], lui aussi circulaire et multipliant les « points de vue », fenêtres et lieux d’où « voir et être vu » (en particulier en hauteur, sous la grande fresque du XIXe siècle de 1400 m2 peinte sous la verrière), la multiplicité des points de vue devient vertigineuse.

Et telle est bien la première impression qui s’empare du visiteur quand il commence à déambuler dans l’espace et regarder. Chaque déplacement suscite un nouvel aperçu, une vision différente.

D’où la sensation de perdre à chaque instant les repères dont on venait de se doter. Le point de vue architectural (comme l’a tant de fois expliqué Tadao Ando) est celui d’un « vivant ». Soumis comme tel à d’incessantes métamorphoses.

C’est - au premier chef - la vision qui devient absolument polymorphe, plurielle. Et mue. Et Change. Et se renouvelle.

Ce processus est d’autant plus étrange que le bâtiment originaire, cette Halle au blé transformée au cours de son histoire en « bourse du commerce », étant circulaire et percée d’un ensemble de fenêtres régulières, ouvertes sur le dedans, l’espace ainsi délimité semblait pouvoir satisfaire une forme de maîtrise totale de la vision.

Cette vision panoptique (qui fut le modèle privilégié du système carcéral imaginé, à la toute fin du XVIIIe siècle, par Jérémy Bentham) est ainsi totalement, incessamment et à chaque pas, déjouée et perturbée. L’introduction au cœur de la Halle de ce cylindre de béton évolutif change totalement la donne.

Toute maîtrise visuelle instantanée de la totalité ou de l’ensemble est devenue impossible. Et c’est bien cette peau et membrane de béton qui en s’élevant dans le ciel du bâtiment réalise cette splendide impossibilité. La perception architecturale devient la somme d’une foule de rencontres et de « points de vue » perturbés.

La réussite du projet tient dans cette subversion radicale. La mémoire seule peut alors synthétiser l’ensemble, en enfilant des points de vue qui se substituent et se déjouent en permanence les uns les autres.

Tout au long du parcours - de la marche et pérégrination - de chacun, les œuvres des artistes sont distribuées comme autant de vues à l’intérieur d’autres « vues » et de nouvelles perspectives.

Et lorsque vous sortez des salles d’exposition, distribuées tout autour des anneaux concentriques des étages, pour vous retrouver au centre du bâtiment, de nouveaux "points de vue" sont tout aussitôt créés. C’est alors au travers des fenêtres qui entourent la coursive - dans le jeu des reflets et des superpositions - que les œuvres deviennent à leur tour changeantes et comme vivantes. - Transformées par la puissance de l’appareillage conçu par Tadao Ando.

C’est bien d’une machinerie optique qu’il s’agit. D’une structure conçue pour modifier la vision et rendre l’aventure perceptive particulièrement excitante. Ce qui n’est pas sans rappeler - tout en étant très différente et autrement complexe - la « tavoletta » de Brunelleschi (1415), cet ingénieux système optique qui permit au florentin de multiplier et d’imbriquer les uns dans les autres le baptistère de Florence, les reflets et les nuages.

Ce nouveau Musée apparaît bien (en lui-même) comme un « chef-d’œuvre » et un extraordinaire « opérateur de perceptions ». Il vient ruiner toute idée d’un espace muséal figé, total et concentrationnaire. Le système de Jérémy Bentham se trouve ici cassé, détruit, transformé en son contraire. L’hélice de béton de l’ouvrage constitue la colonne vertébrale d’une vision et perception libre et en devenir.

L’œil épingle bien chacun des mondes traversés mais, l’instant d’après, le pas du visiteur l’a mené sur un autre versant perceptif. La lumière y joue autrement, les ombres muent. Le visiteur est ici comme Cézanne qui à l’aide du cône et du cylindre peut voir autrement - et autant de fois que possibles - différentes versions (différents « états d’être ») de la Sainte Victoire.

Parmi toutes les œuvres présentées de la collection Pinault, nous prendrons comme seul exemple, mais - de par sa position « centrale » - il est significatif, la sculpture d’Urs Fischer (Untitled Giambologna, 2011). Cette sculpture de cire qui se consume et fond peu à peu - très lentement - est ici visionnée de tous les points de vue : d’en haut (on pourrait y ajouter la vision d'un drone ou celle d'un aéronef traversant la coupole), d’en bas, de côté et de travers, de près, de loin et de manière fragmentaire à chacune de ses apparitions au détour d’un escalier, au travers d’une fenêtre, etc.

Se détruisant elle-même, comme la vision qui l’accompagne, elle fond et se dissout, renaît d’elle-même en de multiples fragments épars dans l’espace central. - Le béton, la coupole, la lumière, les ombres lui servent tour à tour de fond et de support. - Elle se situe au centre de toutes les attentions et intentions, mais fond et se dérobe. Tourne et se dissous.

Site de la Bourse du Commerce | Fondation Pinault

Documentaire sur ARTE

Billet sur Chroniques d'Architecture

Point de vue sur la Coupole et la Fresque du XIXe siècle.
Bourse du Commerce | Fondation Pinault.
Photo ©FDM, 2021.